Cómo Puede Un Artista Mantener Su Popularidad Y Mantenerse Fiel A Sí Mismo?


Tiempo de lectura: 4 minutos.


Escrito por: Jake Gable


A medida que el auge de la música electrónica de baile ha visto el espectáculo en vivo elevado a un nuevo estado, los días de clubes clandestinos con nada más que un sistema de sonido melancólico y un ritmo pesado de graves han dado paso a espectáculos completos de estilo circo, cargados de Cañones de confeti. Pero con los fanáticos acudiendo a festivales de lejos y de cerca, y gastando cantidades deslumbrantes para hacerlo, la pregunta debe hacerse sobre el tema primordial de la música dance; ¿Cómo puede un artista mantener su popularidad y permanecer original y mantenerse fiel a sí mismo?


Originalidad


Los que triunfan en este juego son ampliamente elogiados, y a menudo criticados, por la aventura y la diversidad de artistas. Cuando Avicii se presentó en el Ultra Music Festival de Miami en 2013, el sueco estaba sin duda en la cima de sus poderes. Con un sonido melódico nuevo como nunca antes se había escuchado, aquí estaba el chico del cartel para el punto de inflexión de una burbuja de EDM que no mostraba signos de estallido. Nunca la música electrónica había estado tan a la vanguardia de la cobertura mediática principal, y en el productor de "Niveles", se había encontrado una cara para un hombre capaz de dominar el género durante muchos años. Lo que siguió fue nada menos que icónico, con Bergling decidiendo debutar un cambio de género en el festival de baile más grande de la música mundial, dejando a la multitud de Miami con la boca abierta, mientras tocaba pista tras pista de un nuevo álbum inédito de country y western. , en lugar de sus himnos singulares como "Silhouettes" y "I could be the one". El alboroto que causó el fiasco es legendario.


El sitio web de baile Dancing Astronaut etiquetó el set como "demasiado avanzado para la música dance", mientras que el propio Avicii emitió una declaración oficial que decía:

“Parece que desperté cierta controversia con mi set el viernes por la noche en UMF. Ver a muchas personas que no entienden. Tenía muchas ganas de cambiar las cosas y hacer algo divertido y diferente, como siempre me esfuerzo, y este álbum trata sobre la experimentación y sobre mostrar las infinitas posibilidades de la música house y electrónica. Mi álbum ciertamente no es "country", y la gente se ha quedado atrapada en un instrumento que usamos para la versión en vivo de una canción. La gente pronto verá de qué se trata ".



Por supuesto, este no es el primer (o el último) ejemplo de visión artística que cae en la música dance. El dúo británico Disclosure fue criticado rotundamente en 2015 por usar su tragamonedas en Ushuaïa para tocar su nuevo álbum, previamente no escuchado, durante el fin de semana de BBC Radio One en Ibiza, a diferencia de los clásicos de su álbum de 2013 "Settle". Ningún artista en la industria es inmune a las críticas. El set Ultra de 2017 de Alesso se proyectó en ciertas áreas de apoyo de los fanáticos para el sonido de trampa pesada que transmitió en el escenario principal estadounidense, mientras que incluso Tiësto, ampliamente considerado como el nombre más grande en la industria, ha caído en desgracia de los críticos que lo anhelan para volver al sonido de trance original por el que fue tan famoso antes del lanzamiento comercial "Kaleidoscope" en 2009.


Popularidad


La otra cara de la moneda es que al apegarse a lo que saben, los artistas complacen a los fanáticos y los sonidos de los que originalmente se enamoraron. Si, por ejemplo, los fanáticos que disfrutan de los sonidos relajantes y profundos de la casa tropical de Kygo asisten a su espectáculo, terminarían bastante decepcionados de pagar dinero y verlo tocar un set de estilo BROHUG lleno de sucias gotas. La mayoría de las veces, los fanáticos están felices de cantar junto a "Don’t You Worry Child" por 5 millonésima vez, porque es lo que saben y lo que aman. Pero desde este punto de vista, ¿dónde se estanca una carrera artística debido a las multitudes agradables? Eric Prydz, como ejemplo, ahora se niega a jugar "Call On Me" en sus sets en vivo. Su éxito revolucionario, una comida chatarra de comida rápida de alta energía EDM, ha dado paso a las delicias ahora a la carta que ahora sirve a las multitudes de su alias tecno y progresivo, Cirez D y Pryda.


En 2018, la sed del fanático nunca ha estado más deshidratada por contenido nuevo, y los artistas solo pueden arriesgar su propia complacencia una vez que se encuentra una fórmula ganadora. El equilibrio entre originalidad y popularidad es claramente un balancín casi imposible de equilibrar para los artistas de danza, ya que hacen malabarismos con la demanda interminable de los fanáticos que buscan una mezcla entre himnos singulares y contenido nuevo e innovador. En 2018, los ravers de Tomorrowland, Electric Daisy Carnival en Las Vegas y todos los demás festivales notables y grandes eventos en la arena, esperan una producción alucinante llena del combo, pero en realidad, puede que tenga que conformarse con una ligera inclinación hacia uno o el otro. Con la música de baile creciendo por segundos, los artistas lo harán, y siempre deben tratar de mezclar clásicos antiguos y agregar diferentes toques a sus espectáculos para mantenerlos frescos. Mientras eso no sea a expensas de los himnos favoritos de los fanáticos, la línea entre mantenerse relevante y popular, como intérprete en vivo, es fácil de equilibrar.


Artículo original de MOON JELLY (en inglés) aquí:

https://moonjelly.agency/appeal-fans-whilst-battling-originality/

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